A beleza convulsiva

Dentre tantas declarações da história da arte, uma das minhas preferidas é aquela que André Breton deixou no seu livro Nadja: “A beleza, ou será convulsiva, ou não será”. Esse princípio estético condensa o impacto – ou o espanto – imprescindível à condição surreal, mas também, numa escala maior, aponta para o mecanismo que ativa a essência do ato criador.

A convulsividade, em tal caso obviamente metafórico, tanto indica o simples ímpeto do imprevisto, da chama explosiva, do absurdo – quanto pode sugerir um desespero confuso. A realidade, de qualquer maneira, fixa limites e constâncias que podem passar uma ideia de segurança. Quando o surrealista se desvincula destes elementos, o lado sombrio – do desamparo que a liberdade proporciona – também entra em xeque.

Não por acaso, a vida de muitos artistas dessa época parece ter tido componentes trágicos: Frida Kahlo sofreu um acidente que iria marcá-la para sempre; Magritte e Dalí tiveram surtos de depressão; Leonora Carrigton envolveu-se em relacionamentos destrutivos; Giacometti enfrentou a solidão e o exílio, enquanto criava suas figuras anoréxicas; Dora Maar viveu a tortura de ser ao mesmo tempo artista e companheira de Picasso, situação que quase lhe custou a sanidade…

Mas a liberdade era o troféu máximo das vanguardas europeias do início do século XX – mesmo que isso significasse atravessar as fronteiras do desvario. Breton, no seu conhecido Manifesto do Surrealismo, ressaltava: “Não será o temor da loucura que nos forçará a hastear a bandeira da imaginação a meio mastro”. Inclusive o repúdio à condição do louco era questionado: “Cada um sabe, com efeito, que os loucos só devem seu internamento a um pequeno número de atos legalmente repreensíveis, e que, na falta destes atos, sua liberdade (o que se vê de sua liberdade) não estaria em jogo. Que eles sejam, numa medida qualquer, vítimas de sua imaginação, estou pronto a concordar (…), mas o profundo desprendimento de que eles dão testemunho em relação à crítica que lhes fazemos, quiçá aos corretivos diversos que lhes são infligidos, permite supor que eles sentem um grande conforto na imaginação, que eles se comprazem bastante com seu delírio.”

O prazer de ultrapassar barreiras e criar era, voilà, a convulsão surrealista. Para explorar a psique em suas possibilidades mais extravagantes e autênticas, nada foi tão bom quanto o método da escrita automática. Lançar ao papel o que viesse à mente, sem permissão para a autocensura revisionista, significava não apenas produzir com flexibilidade. Significava produzir aquilo que o inconsciente do artista queria. A um só tempo, através desta técnica os surrealistas recusavam as pressões comerciais da arte, elevando o individualismo à potência mais alta, e também estabeleciam um curioso nexo com uma área do conhecimento que começava a se expandir: a psicanálise.

Os livros de Freud, especialmente A interpretação dos sonhos, tiveram um grande impacto na época. O princípio da “isenção da lógica” e do “acesso a uma realidade superior, maravilhosa” parecia garantido pela via do inconsciente. E Freud celebrava um tipo de automatismo pelas associações livres que o paciente podia elaborar, revelando à “atenção flutuante” do psicanalista o que o superego normalmente não lhe permitia admitir. Através de recalques, chistes, sonhos ou atos falhos, elementos do inconsciente emergiriam para a consciência.

A proximidade de interesses fez com que o Surrealismo se declarasse como uma espécie de voz artística da psicanálise, embora o criador desta última não quisesse reconhecer tal diálogo. Ao que consta, um dos mais escandalosos pintores da vanguarda, Salvador Dalí, tentou visitar Freud em Londres, em 1938 – mas o encontro não se revelou frutífero. O “pai da psicanálise” estava bastante debilitado pelo câncer que viria a matá-lo, e se medicava pesadamente. É de se crer, entretanto, que, ainda que Freud gozasse de plena saúde, não iria aceitar a espetacularização de sua teoria sob a irreverência daliniana…

De qualquer maneira, a ideia de uma conversa entre o criador da psicanálise e o mais icônico dos surrealistas inspirou o dramaturgo britânico Terry Johnson a escrever o texto Histeria. A comédia ganhou em 2016 adaptação brasileira no teatro Tuca, com tradução e direção de Jô Soares e os atores Cassio Scapin e Pedro Paulo Rangel nos papéis principais. O traço humorístico desta produção não causa estranheza: o próprio Freud havia demonstrado que a comicidade tem importante papel na economia psíquica – e, por outro lado, a vanguarda surreal alavancou o humor absurdo.

A escrita automática, por si, já lançava a possibilidade de gerar o non sense, situação em que palavras ou expressões não têm sentido ou significado, ou indicam condutas ou ações tolas. Enquanto possibilidade expressiva, o Teatro do Absurdo teve em Alfred Jarry o seu precursor, com a peça Ubu Rei, que estreou em 1896. Alfred Jarry chegou a criar um mundo às avessas — o mundo da Patofísica, que invertia conceitos da física e metafísica, rejeitando a realidade vigente. Até hoje, em sua homenagem, o Collège de Pataphysique, na França, declara-se como uma “sociedade dedicada a pesquisas sábias e inúteis” e tem como figuras de inspiração Boris Vian, Marcel Duchamp, Raymond Queneau e James Joyce, dentre outros.

Todo procedimento de absurdidade e fuga do real gera o riso, ainda que intencionalmente esse não seja o primeiro objetivo. Henri Bergson recorda que o que faz rir é uma situação inesperada, “um tipo de absurdo realizado de forma concreta”. Enquanto estética das “belas convulsões” e dos sonhos individuais, portanto, o Surrealismo pendula entre a denúncia anárquica de um tempo e a esperança que existe no humor e no fazer da arte. Por esses componentes, afirma-se como tendência válida para além de cercas cronológicas – razão pela qual ainda hoje encontramos quem, seja através do método criador, seja através da postura existencial, esteja filiado a uma tendência surreal.

Numa medida extensa, qualquer forma de ver o lado oculto das coisas (ou a ficção da representação) recupera o Surrealismo em suas reflexões fundadoras. Talvez esse movimento possa mesmo ser entendido para além de sua época, como uma estratégia – com inúmeras gradações – que o ser humano encontrou de salvar-se pelo deslocamento, escapando rumo ao inusitado.

Tércia Montenegro (texto publicado na seção Tudo é Narrativa, do jornal literário Rascunho. )

 

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Pelo Gavião

Ontem eu realmente precisava de um passeio ecológico, que me tirasse da sensação de fim de mundo e me jogasse no meio da mata. O projeto Percursos Urbanos, que existe há 14 anos, capitaneado pelo amigo Júlio Lira, foi a salvação. Leonardo Jales – do Movimento Pró-Árvore, levou-nos às margens do açude Gavião, e de lá saímos numa trilha pela caatinga. Entre muitas reflexões sobre temas hídricos, climáticos e edáficos, tive o meu primeiro aprendizado em reconhecimento botânico. O belo pau-ferro, o aguapé com sua flor-de-um-dia, as ninfeias, o torém… era a experiência de uma aula em que as folhas não estavam num livro, mas na própria natureza. Foi assim que descobri, por exemplo, a razão de certa paisagem do México me parecer tão familiar: o angico e a jurema preta, dentre outras espécies, existem igualmente no sertão de Jalisco! Também soube da impressionante agressividade vegetal da viuvinha e da castanhola, e aprendi que o cerrado povoa o litoral de Fortaleza, vindo do Piauí. Leonardo ainda comentou sobre o tingui, provavelmente a planta mais antiga de que se tem notícia (um estudo genético estimou sua origem em mais de 35 milhões de anos), e o fato de ela ser nativa da caatinga, o que faz com que a ancestralidade desse bioma seja mais remota que a da Mata Atlântica e a da Amazônia.

A lição – além de abrir a consciência para tantas questões ambientais – ensinou a poética da nossa região, fez sonhar com passeios de caiaque e (pelo olhar atento do Júlio) apontou a beleza xamânica no voo das andorinhas. Como se não bastasse, eu lembrei que uma trilha na mata é excelente forma de meditação. Existem silêncios e grandezas que só as árvores indicam.

Turismo resenhado

Cada nova leitura dos meus livros abre uma nova perspectiva para mim – são ideias que nascem apenas com os diálogos, jamais solitariamente. O excelente texto da Adriane Garcia, então, é desses que deixa muitas reflexões reverberando. Para ler o que ela escreveu sobre o Turismo para cegos, clique aqui ou aqui. Os dois sites trazem também interessantes pontos sobre vários outros livros: são altamente recomendáveis para quem gosta de ler!

Transfigurar o lugar-comum

Trecho do livro A transfiguração do lugar-comum, em que Arthur C. Danto comenta a respeito do abridor de latas, que, “como uma forma inovadora, enriquece a realidade, embora no consenso geral não seja uma obra de arte”. Mas, como seria se assim fosse considerado? Eis a sua proposta, pseudotraduzida da Chronique des beaux-arts – para rir um pouco com filosofia:

“A nudez singular de sua extremidade curta, desagradável, em forma de lâmina, surpreendentemente sinistra, corporifica uma masculinidade agressiva, acentuada pelo contraste formal e simbólico com a frívola e diminuta hélice, que balança livremente sobre um eixo fixo subjugador, e representa a pura feminilidade fútil. Esses dois motivos são simbioticamente sustentados numa única e poderosa composição, não menos universal e promissora a despeito de suas dimensões mínimas e de sua matéria banal. Fosse ele feito de um material precioso, compatível com seu tamanho, como uma peça de ourivesaria, teria perdido o sentido, porque sua mensagem fala do masculino e do feminino como um denominador comum da condição humana. E fosse ele enorme (e é preciso admitir sua monumentalidade essencial), exageraria a banalidade cósmica de seu tema tornando-o heroico. Não, tamanho e substância juntos reforçam a imagem e a significação, um membro digno daquele círculo seleto de chef d’oeuvres instantâneos e insistentes definidos pelo São Jorge, de Donatello, e por Mademoiselle Pogany, de Brancusi.”

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